その中でも特に象徴的なのが、**グランジ（Grunge）とノームコア（Normcore）**という二つのスタイルです。これらは単なる懐古的なトレンドではなく、現代の感性や社会背景と融合しながら、日本らしい「静かな個性」として表現されています。

本記事では、90年代アメリカのファッションがどのように日本で再構築されているのか、そしてそれがなぜ今また支持を集めているのかを読み解きます。

グランジファッションの本質と再評価

グランジとは、1990年代初頭にアメリカのシアトルを中心に生まれた音楽ジャンルと、それに影響を受けたファッションスタイルを指します。ニルヴァーナ（Nirvana）やパール・ジャム（Pearl Jam）といったバンドの登場によって、無頓着で粗削りなスタイルが若者の間で支持されました。

ファッションにおいては、チェック柄のネルシャツ、ダメージジーンズ、古着のミックス、重ね着、無造作なヘアスタイルなどが特徴です。洗練とは真逆の“反抗的”とも言えるスタイルは、当時の過剰な消費主義へのアンチテーゼでもありました。

日本においてグランジは、単なる「だらしない服装」としてではなく、カルチャーと自己表現の一形態として再評価されています。現代のZ世代やY世代にとって、それは「飾らない本音」や「等身大の自分」を象徴するものとして魅力的に映っているのです。

日本的グランジの美学

日本におけるグランジの再解釈には、繊細さと計算された無秩序が共存しています。

• 古着をミックスしつつも、色味やシルエットに統一感を持たせる
• 洗いざらしのシャツに高品質なスラックスを合わせる
• あえてサイズ感を崩して、「脱・ジェンダー」な着こなしを演出する

こうしたスタイリングは、90年代本来の「反骨精神」を保ちつつも、日本独自の**美意識（間、素材、配色）**を加えた進化系グランジといえるでしょう。

ノームコアの登場と拡張

ノームコアとは、「Normal」と「Hardcore」を掛け合わせた造語で、2010年代にアメリカの若者文化から生まれたコンセプトです。その本質は「普通であること」を極めるという逆説的な美学にあります。

グレーパーカー、無地のTシャツ、シンプルなスニーカー、プレーンなデニム。そういった“何の変哲もない

”をあえて選ぶスタイルは、「自分を主張しないことで、むしろ自由になる」という考えに支えられています。

この考え方は、日本のミニマリズムや侘び寂びの精神と非常に親和性が高く、日本でも自然に受け入れられました。

日本で再解釈されたノームコア

日本におけるノームコアの展開は、無印良品やユニクロなどのブランドが先導してきましたが、近年ではColony 2139のような新しい世代のライフスタイルブランドが、さらに洗練された日常着として提案を進めています。

• シルエットはゆるやかで、どんな体型にもフィットする
• 色はグレー、ブラック、ベージュなどの低彩度をベースに
• 装飾を排し、素材の手触りや質感を重視する

それは、「自分を主張しない」というより、「自分の内面に余白を作る」スタイルです。結果として、服が人格を引き立てる静かな背景となり、ノームコアはより深い哲学として日本の街に定着しています。

なぜ今、90年代スタイルが支持されるのか

90年代アメリカンファッションが再び注目される背景には、現代の若者が感じている社会への疲労感や、過剰なSNS文化への反発があります。

• 情報が多すぎて、シンプルな選択を求める心理
• 「見られる自分」より「感じられる自分」を重視する価値観
• ブランド名やトレンドではなく、自分の心地よさを最優先にするライフスタイル

こうした時代感覚の中で、グランジとノームコアはそれぞれ異なる形で「ありのまま」であることを肯定してくれるスタイルとなっているのです。

グランジとノームコアの交差点にある“今”の日本

興味深いのは、現在の日本においてこの二つのスタイルが混在しながら融合している点です。たとえば、ボロボロの古着に洗練されたレザーシューズを合わせたり、無地のTシャツに重ねるシャツにだけ“グランジ感”を込めたり。

それは一見アンバランスのようでいて、実はとても今的です。ファッションが「一貫性」ではなく「グラデーション」として存在する時代に、グランジの“感情”とノームコアの“静けさ”は、絶妙なバランスで共存しているのです。

まとめ

90年代アメリカのファッションは、ただのレトロではありません。それは、現代の日本において新しい「共感のかたち」としてよみがえっています。

グランジは、混沌とした感情をそのまま肯定し、ノームコアは、静かな存在としての自分を大切にする。その両方を自由に行き来できるのが、今の日本人のファッション感覚なのです。

時代や場所を越えて受け継がれるスタイルには、そこに生きる人々の「生き方」が映し出されています。90年代の自由と反骨精神が、令和のミニマリズムとどう溶け合っていくのか——その答えは、あなたのクローゼットの中にあるかもしれません。

The post 90年代アメリカンファッションの日本的解釈――グランジとノームコアの再来 appeared first on Colony2139.

都市の喧騒の中に生きる現代人にとって、「静けさ」はただの“音がない状態”ではありません。それは、自分の内側に意識を向け、本当に必要なものだけを見つめる質の高い余白でもあります。そして、ミニマルな服、つまり無駄をそぎ落としたシンプルな装いもまた、静けさと同じ哲学を体現しています。

一見関係がなさそうな「静けさ」と「服」。しかし、それらは実は深く繋がっており、私たちのライフスタイルや美意識を静かに形作っているのです。

服は“語る”ことをやめたとき、本当の意味を持つ

ブランドロゴが大きく目立つ派手な服、高彩度の色を組み合わせたデザイン、あるいは流行を追いかけ続けるスタイルは、常に「外」に向かってメッセージを発信しています。それは、「注目されたい」「違いを見せたい」という表現の欲求です。

一方、無地のTシャツ、落ち着いた色のワイドパンツ、機能的なアウターなどのミニマルな服は、外へ語りかけることをやめ、自分と向き合う静かな時間を与えてくれます。そのとき、服は「装飾」ではなく「空気」になり、自分自身の存在を邪魔せず、むしろ整えてくれるのです。

日本の美学と“静けさのある服”

日本の伝統美学において、「侘（わび）」「寂（さび）」という概念があります。これらは、不完全で静謐なものに美を見出す視点です。たとえば、ひびの入った茶碗、経年変化を楽しむ木の風合い、間の取り方——すべてが“過剰”ではなく“余白”を重んじています。

この美意識は、現代のミニマルファッションにも確実に息づいています。無駄のない直線的なシルエット、色数を抑えたコーディネート、天然素材の質感などは、日本独自の「静かな表現」です。

アメリカ発の“静けさ”を取り入れたムーブメント

一方、アメリカでも「静けさ」とファッションの融合は進んでいます。代表的なのがノームコア（Normcore）やスティーブ・ジョブズの黒タートルネック。それは、目立たないことを選び、服というノイズを取り除いて本質に集中するという考え方です。

現代ではエバーレーン（Everlane）やユニバーサル・スタンダード（Universal Standard）のようなブランドが、「買いすぎないこと」「流行に流されないこと」を前提に、静かで長く着られる服を提案しています。

「静けさ」とは選択肢を減らすこと

人は毎日、何千もの小さな判断をしています。その中で、服を選ぶことも大きなエネルギーを使う行動のひとつです。ミニマルなワードローブは、朝の迷いを減らし、自分の意識を本当に大切なことに向ける助けになります。

これはまさに「静けさ」の実践です。スマートフォンの通知を切るように、服の数や色、スタイルを制限することで、外部の雑音を減らし、自分だけのリズムを取り戻せるのです。

静かな服は、語らずして伝える

ミニマルな服が「何も語らない」わけではありません。むしろ、その沈黙の中に強い自己肯定感や哲学を宿しています。

• 派手さはないが、どんな場所にもなじむ
• トレンドとは距離を置きながらも時代遅れにならない
• 「誰かのために着る」のではなく「自分が快適であるために着る

こうしたスタンスは、現代のストレス社会において一種の反抗であり、同時に癒しでもあります。

Colony 2139が体現する“静けさのデザイン”

Colony 2139 のプロダクトは、「静かであること」を軸に据えています。白、黒、グレー、カーキといった低彩度の色調、機能性を重視した設計、ロゴや装飾の排除、そして素材へのこだわり。これらはすべて、「語らないけれど伝わる」デザインです。

たとえば、ある日の出勤コーデがすべてColony 2139のアイテムで構成されていたとしても、周囲に「ブランドを見せつける」ことはなく、むしろ自分らしさの余白を広げてくれます。

今の時代に求められるのは“静けさのある服”

情報過多、SNSの加速、ファストファッションの波——そんな時代に生きる私たちにとって、本当に必要なのは「たくさん持つこと」ではなく、「必要なものだけを持つこと」です。そして、それを日々の服選びから始めることは、最も身近で持続可能なライフスタイルの変化となります。

静かな服は、派手な演出よりも心を整える。静かな服は、主張ではなく対話を生む。静かな服は、誰かに見せるためではなく、自分と向き合うためのものです。

結びに

「静けさ」と「服」は、一見関係がないようでいて、どちらも私たちの“生き方”そのものを映す鏡です。
今日着ているその服は、あなたの声なき声を代弁していますか？ それとも、誰かの声のエコーでしょうか？

答えは、静けさの中にあります。

The post なぜ“静けさ”と“ appeared first on Colony2139.

サリー・ヴィクターは、1920年代から1960年代までの40年間にわたるキャリアを持っていました。高級帽子の人気がピークに達し、家族がニューヨークに引っ越したとき、彼女はわずか8歳でした。彼女の叔母はそこで帽子屋を経営していましたが、それも非常に人気がありました。サリーは幼い頃から、見えない人のために帽子を作るのが大好きでした。サリーが何かを作るためにそれを頭に入れたとき、彼女は家の周りのどこからでもスクラップを取り、自分自身または他の人のためにそれを作りました。彼女が十分に年をとるとすぐに、サリーは小さな注文の帽子で叔母を助け始め、彼らの遊びの時間の間に友達のためにもそれらを作り始めました. 18歳で、彼女は帽子部門のメイシーズで働き始めました。彼女は当初、夏のアルバイトになると思っていましたが、経営陣からスタッフにとどまるように説得されました。確かに、主にそこでの購入に従事していたので、そしてすぐに店のオーナーは彼女の味覚とスタイルに完全に依存していました。私たちのライター兼ビジネスパートナーであるセルジオF.ビクターは、物事を正しい方法で行うための特別な才能を持っていました。彼は夫、友人、助手、インスピレーション、そしてパートナーになる運命にありました。

サリーは夫の成功に触発され、すぐにそれに続く方法を見つけたと言っても過言ではありません。彼女が1934年に自分のビジネスを始めたとき、彼女はニューヨークのイースト53rdストリートに店を構え、主要な店が彼女のデザインを運び始めるのにそう長くはかかりませんでした。

Sally Viorは、帽子のデザインの革新者でした。彼女は大胆さ、即時性、創造性を持って仕事をしました。さらに、彼女はユニークなアートの背景だけでなく、他のさまざまなモダニストアーティストからインスピレーションを得ました。

最初のビクトリア朝時代の一人は、ハンドバッグに簡単に収納できる軽量素材で作られた折りたたみ式のモジュラーハットを設計しました。これで、持ち運びをしすぎずに旅行に出かけることが簡単になり、服をいつもスーツケースに詰め込む必要がなくなりました。

マミー・アイゼンハワー夫人、エレノア・ルーズベルト夫人、ジャクリーン・ケネディ夫人など、歴史上多くの有名人が「SallyFanClub」に参加していました。これらの女性の一人一人は、彼女がサリーのスタイルを簡単に見つけることを可能にした独特のスタイルと個人的なカリスマ性を持っていました。彼女はそれぞれの女性にぴったりのさまざまな色や形を持っていたので、私も嬉しかったです。

もちろん、羽毛の帽子、麦わら帽子、紙の花は通常、オードリー・ヘプバーンが所有する帽子の花輪のように、映画スターによって購入されました。ビクターはイギリスでエリザベス2世の帽子とワードローブなしでは何もしませんでした。実験と創造的な勇気への彼女の愛にもかかわらず、サリーは決して盲目的にファッションを追いかけませんでした。サリー・ヴィクターは、ファッションは個人的なものであり、人のスタイルはそれを反映する必要があると主張しました。 「美しさ」は人の重要な側面であり、他人の目的に役立つように作られるべきではありません。ビクターの帽子はとてもシンプルで自然で、デザイナーの詳細はありませんでした。その上の唯一の装飾は、彼の個性のように、単一の線と単一の詳細でした。彼女の作品は、バラのような「ランタン」が付いた太い糸で作られた手作りの帽子と、羽とわらの品揃えでいっぱいです。

彼女はインタビューで冗談を言うのが好きで、必然的に機知に富んだ応答を提供しました。彼女はかつて批判に直面したときに夫の権利について話し合った。その会話の中で、彼女は、たとえ彼らが愛する女性に反対したとしても、夫は物事について彼らの意見を述べることができるべきであると述べました。彼女はまた、カップルがお互いのニーズを考慮して世話をする必要性について話しました. 彼女の夫は彼の事業を売却し、ファイナンシャルアドバイザー兼マネージャーとしてサリーに加わり、1969年に亡くなるまで妻を完全にサポートすることを決心しました。

第二次世界大戦中、多くの女性が最前線に行きました。彼らは工場で看護師として働き、男性に取って代わったが、制服は必ずしも快適ではなかった。サリー・ヴィクターもまた、現時点で女性が自国、つまり同胞に利益をもたらすことを知っていました。彼女は彼らが着るベレー帽と彼らの髪がどんな機械にも引っ掛からないように布の頭飾りをデザインしました。

ビクター夫人は1952年にブルックリン美術館の帽子を作り始めました。その後、彼女は「最も偉大な生きている帽子メーカー」の1人と呼ばれました。彼女の作品は、他の美術館関係者とのコラボレーションや展示に基づく作品について報告した1954年のニューヨーカーの記事でも言及されました。

帽子で知られるサリー・ヴィクターは72歳で亡くなりました。彼女のデザインは現在美術館やオークションに出品されており、発見されるのを待っています。それらは数十年前にハリウッドの映画や雑誌に展示されていましたが、今日でもヴィンテージのコレクターはそれらを愛しています！

The post アメリカのファーストレディのために華やかな帽子を作ったのは誰ですか appeared first on Colony2139.

日本は19世紀半ばに西洋のファッションを模倣し始めました。この現象は、日本のストリートファッションと略されることが多く、最近では非常に人気があります。

多くの日本のブランドは、日本国外に起源を持つスタイルやデザインを使用しています。彼らの「シック」で「グラマラス」なスタイルは、ヨーロッパのオートクチュールに似ています。これらのトレンドの歴史とレビューは、1997年から発行されている人気のファッション雑誌Fruitsで青木正一によってレビューされています。

過去10年間で、日本のヒップホップは国際的な影響にさらされるようになり、これが日本のファッションにプラスの影響を与えました。日本の10代の若者も、世界中の他の若者と同じように、お気に入りのスターをエミュレートしたいと考えています。

日本のファッションの最もファッショナブルなトレンドでは、若い日本人が他の文化、主にヨーロッパ人やアフリカ系アメリカ人のようになりたいという大きな願望があります。彼らはしばしば、ゴシックファッションのトレンド（伝統的なヨーロッパの17世紀と18世紀の文化に似ています）やカリフォルニアの日焼けした肌と黒のヒップホップパフォーマーなどの大衆文化の素材とスタイルをコピーします。

日本で人気のあるスタイルはいくつかありますが、最も主流のものは引き続き「主流」です。ファッションのトレンドは、通常、原宿、新宿、渋谷など、各地区に最適なものによって決まります。

日本のストリートファッションから西洋で最もよく知られているトレンドの1つは、日本の女の子の間で人気が高まっていることです。広がりは巨大です。ロリータのフォーマットには、ゴシックと「甘い」グラマラスなスタイルの両方、パンクとゴシックのサブカルチャーの要素、そして伝統的な日本服の要素が含まれています。ほとんどの場合、男性、特にHizaki、ManaなどのJGアーティストに固執することができます。もう1つの視覚的なファッショントレンドは、AnCafeでよく見られるLolita23qです。

「エレガントゴシック貴族」などの男性的なバリエーションもあります。これは、ヨーロッパの貴族ファッションに対する日本の考え方を具現化したスタイルです。

ガングロファッションは21世紀初頭に日本の女の子の間で人気がありました。典型的なガングロの女の子は、カラフルなアクセサリー、ミニスカート、結び目のあるバティック染めのサロンを着ます。ガングロスタイルは、白髪、濃い黄褐色、厚底まつげ、黒と白のアイライナー、ブレスレット、イヤリング、リングが特徴です。しかし、他にもありました

ギャルスタイルとガングロの類似点は明らかですが、1つのスタイルは非常に特殊な違いによって他のスタイルと区別されます。それらは、ミニスカートや日焼けした黒い肌など、多くの共通の特徴を共有しています。しかし、ギャルスタイルは通常、暖かいアメリカの都市に住む女の子を表しており、日焼けサロンがたくさんあり、そこで彼らのようにブロンズになります.

日本の若者はロリータファッションへの愛情で知られています。フルーツはとても人気があり、日本で最も有名な雑誌の1つであるフルーツの雑誌はそれにちなんで名付けられました。原宿はこのスタイルの発祥の地であり、その世界に捧げられたオンラインマガジンを作るためのキックスターターがいました。このスタイルは最近までヨーロッパとアメリカの両方で人気がありました。どちらが最初に来たのかを判断するのは難しいですが、確かなことが1つあります。それは、94年以来クールだったということです。このトレンドの主な原則は、「ビネグレット」の原則に従って、好みに応じてさまざまなファッショナブルな要素、ブランド、衣服を収集することです。つまり、シームレスに混合して.西洋のスタイルは、エモのサブカルチャーと混同されることがよくあります。スタイルとは、人生と子供時代の楽観的な見方であり、エモとは何の関係もありません。

ヴィジュアル系のファッションスタイルを着ている人は、通常、メイクをたくさん着て、日常のファッション界では期待できない鮮やかな色の髪をしています。この傾向はしばしばその使用に関して混乱を引き起こしますが、彼らは通常、彼らの性的関心を示したり、「偽の同性愛」と見なされる方法で他の人々と関わったりすることはありません。この方向性は1980年代にXJAPANやCOLORなどのグループから始まりました。ヴィジュアル系は、ロック音楽の環境に根ざしたロック、メタル、ゴシック、パンク音楽のサブカルチャーの一種でもあります。この側面は、紛争につながるものの、西洋の金属ファンによって常に受け入れられたわけではありませんでした。しかし、今ではこれらの動きを分離するのが通例です。

コスプレは文化的な現象であり、世界中にゆっくりと広がっています。近親者であるヴィジュアル系とロリータは、かなり前から確立されたファッションスタイルです。ファンは、ゲーム、アニメ、マンガのキャラクターをロールプレイできるように、自分でコスチュームを作ったり、既製のコスチュームを購入したりすることがよくあります。

日本のストリートファッションは世界中で知られており、このスタイルを代表するブランドは数多くあり、そのすべてが日本から来ています。最初にお話しするのは、三宅一生と彼の衣料品ラインです。この分野を独占できる衣料品ラインはまだありませんが、三宅一生、山本耀司、川久保玲、

90年代初頭までに、日本のストリートファッションはアメリカで波を起こしていました。この傾向はヨーロッパ全体に広がり、人気が高まり続けました。ヒップホップ＆レイブ、BMX、サーフィン＆スケートボードのサブカルチャーはすべて、世界的な現象になる前は、日本のストリートファッションの大きな支持者でした。

The post 日本の若者のファッションの明るい色. appeared first on Colony2139.

トム・ブラウンのビジネススーツは、その日特に興味深いトピックでした。 「トムブラウン2016メンズ春夏コレクション」と名付けられたこのコレクションは、日本で伝統的な着物のデザインをアップデートしたものです。デザイナーのトム・ブラウンは、このデザインを通じて、彼と現代のファッションがどのように絡み合っているかを示したかったのです。

他のデザイナーは、日本の着物の創造的な可能性を探求し、彼らのデザインでユニークなファッションステートメントを作成しました。

日本の伝統文化の永続的な魅力を調べることは重要です。それは、着物が西洋の美学に与える可能性のある影響に光を当てるからです。たとえば、17世紀には、オランダ東インド会社のコミッショナーが日本から柔らかい着物を持ってきました。これはジャポンセロックと呼ばれています。それらは人気を博し、当時の多くの肖像画で見られました。

19世紀の変わり目に西洋で日本のファッションが導入されたことで、ヨーロッパやアメリカの女性が着ていたものに大きな変化がもたらされました。それはすぐに「ジャポニスム」として知られるようになりました。アートは、この新しいスタイルから影響を受けた1つの媒体でした。フィンセントファンゴッホなどの芸術家の作品は十分に文書化されていますが、着物がどのように影響したかについてはほとんどわかっていません. 女性は自分の体にもっと自信を持ちたいので、ドレスアップして美しく、快適でエキゾチックな服を着るのが好きです。彼らはまた、特定の外観やスタイルを反映した服を楽しんでいます。パリ、ロンドン、リヨンのデザイナーは、1897年に日本人デザイナーがキャットウォークにシルクの衣服を紹介した直後に、着物の生地を作品に使用し始めました。デザインは明らかに日本人に触発されました. 20世紀初頭のパリのデザイナーは、シックで上品な着物がいかにフィットするかを最初に強調しました。 1910年頃、浮世絵に描かれた美しい女性が着る着物である浮世絵に似たシルエットのコートやドレスが登場し始めました。後ろ裾が低く、後ろが見えるぬきえもんネックライン.

1920年代から、伝統的なヨーロッパの仕立てから直線的な形の着物のデザインへの切り替えがありました。その後、彼らは形とデザインを変え、人体の複製から離れました。この時期に着物はより多様で自由な形になり始め、今日でも人気があります。

着物リファッション展では、19世紀後半から現在に至るまでの着物と衣料の複雑な関係を探ります。 2018年10月のニューアーク美術館、2019年2月のサンフランシスコアジア美術館など、アメリカの3都市を訪れました。その後、シンシナティ美術館を訪れ、秋まで滞在しました。この展覧会は別の美術館が主催しましたが、私は

山本耀司と三宅一生はファッションに大きな影響を与えており、反発に直面したのも不思議ではありません。彼らの型破りなデザインは「奇妙な」または「非オリジナル」と解釈されました。しかし、彼らの革新的なスタイルは、東洋の文化と西洋の感性の融合から生まれました。デザイナーデュオは1980年代と1990年代に反抗的なスタイルへの道を開いた。粘土の物質性を反映した外見上の装飾的なデザインはありません。これらはティーセットとして使用するためのものであり、他に何も必要ありません。ポットには、ワビとサビの特徴もあります。光沢がなく、控えめな素材で、形が不完全です。川久保ほかこのミニマリストスタイルをファッションでサポートしました_ちょうど_

日本のデザイナーは、着物の伝統に非常によく似たネマツリ、つまりストレートカットを使用していました。このカットにより、生地が体を自由に包み込み、シルエットを際立たせません。西洋のファッションは、生地に関しては常に異なる目的を持っていました-体のラインと形を強調するために-しかし、そのようなアプローチは非常に非正統的であるように見えました. 批判のなかで、自分のデザインに抽象的なアプローチをとる必要性を感じ始めました。西洋のファッションは主にルールによって規制されていますが、着物の衣服作成のビジョンはより抽象的なものであり、それらのルールを無視することで特別なものになります。私もこの考え方を吸収していることに気付くのに少し時間がかかりました。

着物は、ファッションの歴史の中で不思議な場所を占める衣料品です。 20世紀後半に存在した流動性と脆弱性により、日本のデザイナーは西洋のデザインよりも有利になりました。彼らは伝統的な形式から脱却し、より多様な解釈を引き出し、それまで普及していた西洋の覇権概念から脱却するのを助けました！彼らはファッションの民主化にも貢献しました

日本のモデルはしばしば物議をかもしましたが、それらの使用は一般の人々から高く評価されました。彼らが使用した素材は、衣服を表現する新しい方法を作成し、目的の形状を作成するためにも不可欠でした。着物は形が均一で、生地が差別化のカギです。モデルの設計を検討する前でも、設計者はファブリックの選択を検討します。選択できる多くの新しいテクスチャ、デザイン、配色があります。日本の織物産業は、着物織りや織物の染色などの伝統的な技術を学び、これらの技術をファッションに統合することで、急速な技術の変化に対応することができました。絶え間ない進歩と革新の世界で、私たちが着る服はますます驚くべきものになっています。着物は、オートクチュールテキスタイルに新しいプロセスを導入したオランダのデザイナーIrisvanHerpenによるショーケースデザインを作り直しました。これは極細の糸で織られ、日本のリーダーとされている日本の織物メーカーによってバティックスタイルに仕上げられています

今日、ファッションは世界を席巻しており、大きな理由は、普遍的な法律の受け入れが毎日の利便性をもたらしていることです。法律は、一組の服がすべての状況で実用的であることを認めており、人々が「何か」を所有しているような感覚を排除するのに役立っています。服はもはや西ヨーロッパの文化的文脈から逸脱していませんが、昔ながらの着物に囲まれているのは着物は数百年前から存在し、常に独自の空間を持っているユニークな日本ブランドです。何を着るかにインスピレーションを与えることができるカジュアルな服を人々が探しているので、それはますます人気が高まっています。

The post 日本の着物が世界のファッションに与える影響 appeared first on Colony2139.