着物は今でもファッション界で非常に人気があります。これには多くの理由がありますが、最大の理由の1つは、特別な機会にこれまで以上に着用されるためです。多くの違いを生み出す人やトレンドセッターは、よりスタイリッシュでエレガントにするために着物を着ることがよくあります。デザイナーが見つけた着物の最も魅力的な側面の1つは、それがクリエイティブレベルでどのように着物に影響を与えたかです。それは何世代にもわたって新しい発見をし、新しいインスピレーションを解き放つように促しました。メゾンマルジェラからの今後のコレクションは素晴らしい例です。ジョンガリアーノとクリスチャンルブタンは、アンティークの着物とブーツを取り入れた新しい2017年秋コレクションでコラボレーションしました。あなたが仕事のために服を着ているか、結婚式であるか、夜の外出であるかどうかにかかわらず、これらの部分は確かに影響を与えます。
トム・ブラウンのビジネススーツは、その日特に興味深いトピックでした。 「トムブラウン2016メンズ春夏コレクション」と名付けられたこのコレクションは、日本で伝統的な着物のデザインをアップデートしたものです。デザイナーのトム・ブラウンは、このデザインを通じて、彼と現代のファッションがどのように絡み合っているかを示したかったのです。
他のデザイナーは、日本の着物の創造的な可能性を探求し、彼らのデザインでユニークなファッションステートメントを作成しました。
日本の伝統文化の永続的な魅力を調べることは重要です。それは、着物が西洋の美学に与える可能性のある影響に光を当てるからです。たとえば、17世紀には、オランダ東インド会社のコミッショナーが日本から柔らかい着物を持ってきました。これはジャポンセロックと呼ばれています。それらは人気を博し、当時の多くの肖像画で見られました。
19世紀の変わり目に西洋で日本のファッションが導入されたことで、ヨーロッパやアメリカの女性が着ていたものに大きな変化がもたらされました。それはすぐに「ジャポニスム」として知られるようになりました。アートは、この新しいスタイルから影響を受けた1つの媒体でした。フィンセントファンゴッホなどの芸術家の作品は十分に文書化されていますが、着物がどのように影響したかについてはほとんどわかっていません. 女性は自分の体にもっと自信を持ちたいので、ドレスアップして美しく、快適でエキゾチックな服を着るのが好きです。彼らはまた、特定の外観やスタイルを反映した服を楽しんでいます。パリ、ロンドン、リヨンのデザイナーは、1897年に日本人デザイナーがキャットウォークにシルクの衣服を紹介した直後に、着物の生地を作品に使用し始めました。デザインは明らかに日本人に触発されました. 20世紀初頭のパリのデザイナーは、シックで上品な着物がいかにフィットするかを最初に強調しました。 1910年頃、浮世絵に描かれた美しい女性が着る着物である浮世絵に似たシルエットのコートやドレスが登場し始めました。後ろ裾が低く、後ろが見えるぬきえもんネックライン.
1920年代から、伝統的なヨーロッパの仕立てから直線的な形の着物のデザインへの切り替えがありました。その後、彼らは形とデザインを変え、人体の複製から離れました。この時期に着物はより多様で自由な形になり始め、今日でも人気があります。
着物リファッション展では、19世紀後半から現在に至るまでの着物と衣料の複雑な関係を探ります。 2018年10月のニューアーク美術館、2019年2月のサンフランシスコアジア美術館など、アメリカの3都市を訪れました。その後、シンシナティ美術館を訪れ、秋まで滞在しました。この展覧会は別の美術館が主催しましたが、私は
山本耀司と三宅一生はファッションに大きな影響を与えており、反発に直面したのも不思議ではありません。彼らの型破りなデザインは「奇妙な」または「非オリジナル」と解釈されました。しかし、彼らの革新的なスタイルは、東洋の文化と西洋の感性の融合から生まれました。デザイナーデュオは1980年代と1990年代に反抗的なスタイルへの道を開いた。粘土の物質性を反映した外見上の装飾的なデザインはありません。これらはティーセットとして使用するためのものであり、他に何も必要ありません。ポットには、ワビとサビの特徴もあります。光沢がなく、控えめな素材で、形が不完全です。川久保ほかこのミニマリストスタイルをファッションでサポートしました_ちょうど_
日本のデザイナーは、着物の伝統に非常によく似たネマツリ、つまりストレートカットを使用していました。このカットにより、生地が体を自由に包み込み、シルエットを際立たせません。西洋のファッションは、生地に関しては常に異なる目的を持っていました-体のラインと形を強調するために-しかし、そのようなアプローチは非常に非正統的であるように見えました. 批判のなかで、自分のデザインに抽象的なアプローチをとる必要性を感じ始めました。西洋のファッションは主にルールによって規制されていますが、着物の衣服作成のビジョンはより抽象的なものであり、それらのルールを無視することで特別なものになります。私もこの考え方を吸収していることに気付くのに少し時間がかかりました。
着物は、ファッションの歴史の中で不思議な場所を占める衣料品です。 20世紀後半に存在した流動性と脆弱性により、日本のデザイナーは西洋のデザインよりも有利になりました。彼らは伝統的な形式から脱却し、より多様な解釈を引き出し、それまで普及していた西洋の覇権概念から脱却するのを助けました！彼らはファッションの民主化にも貢献しました
日本のモデルはしばしば物議をかもしましたが、それらの使用は一般の人々から高く評価されました。彼らが使用した素材は、衣服を表現する新しい方法を作成し、目的の形状を作成するためにも不可欠でした。着物は形が均一で、生地が差別化のカギです。モデルの設計を検討する前でも、設計者はファブリックの選択を検討します。選択できる多くの新しいテクスチャ、デザイン、配色があります。日本の織物産業は、着物織りや織物の染色などの伝統的な技術を学び、これらの技術をファッションに統合することで、急速な技術の変化に対応することができました。絶え間ない進歩と革新の世界で、私たちが着る服はますます驚くべきものになっています。着物は、オートクチュールテキスタイルに新しいプロセスを導入したオランダのデザイナーIrisvanHerpenによるショーケースデザインを作り直しました。これは極細の糸で織られ、日本のリーダーとされている日本の織物メーカーによってバティックスタイルに仕上げられています
今日、ファッションは世界を席巻しており、大きな理由は、普遍的な法律の受け入れが毎日の利便性をもたらしていることです。法律は、一組の服がすべての状況で実用的であることを認めており、人々が「何か」を所有しているような感覚を排除するのに役立っています。服はもはや西ヨーロッパの文化的文脈から逸脱していませんが、昔ながらの着物に囲まれているのは着物は数百年前から存在し、常に独自の空間を持っているユニークな日本ブランドです。何を着るかにインスピレーションを与えることができるカジュアルな服を人々が探しているので、それはますます人気が高まっています。
